APTEL, INC.

Fundada en 1973

 

Presenta en Junio

 

Proyecto 2008

 

 

 

Lo Característico de

 

 

Lo Significativo de

 

 

Proyecto 2008

 

CONCIERTOS DE VERANO

 

EN PUERTO RICO

 

Del 6 AL 30 de Junio de 2008

 

PRODUCTOR

 

Jesús Quiñones Ledesma

 

En Dos partes:

 

 

Las Canciones de Arte de:

España, Venezuela, Colombia,

Perú, Argentina, México, Brasil,

Costa Rica, Cuba, Santo Domingo y Puerto Rico

 

 

La Música Autóctona:

Pasodobles, Joropos, Bambucos,

La Plena, la Samba y el Danzón,

Tangos, Milongas, Corridos y Rancheras,

Y La Danza Puertorriqueña

 

Con un elenco de seis cantantes líricos

Y un pianista acompañante.

 

Proyecto 2008

 

 

 

 

Hay veces que se hace difícil encontrar una definición, entre lo que es la Canción de Arte y la Canción Folklórica, para poder distinguirlas una de la otra. Se hace bastante difícil aplicar el proceso, a los géneros musicales latinoamericanos, ya que comparten ciertas características de clasificación. La elaboración musical del estilo folklórico a veces hace que sea más fácil definirlo como Música Autóctona, de acuerdo con el entendimiento de las masas, que por sus simples características, lo hace en definitiva accesible al pueblo. Sin embargo cuando el estilo, combina la excelencia de una técnica depurada, con una mejor instrumentación y armonía, se eleva definitivamente a Canción de Arte: es significativo de que ésta es favorecida por aquellos públicos más sofisticados y capacitados.

 

       Algunos ejemplos relativamente conocidos son: el Chóro de Brasil, el Vals y el Joropo Venezolano, la Danza Puertorriqueña, y el Pasillo y Bambuco Colombiano. Hay rasgos de similitud en todos ellos que fielmente se pueden discernir cuando se escuchan. No se puede negar la semejanza heredada de los ritmos particulares de Europa y  África, que penetraron a través del tiempo y han llegado a ser parte de la creación de los diversos géneros de Hispanoamérica y España.

 

       Cuando estos géneros son interpretados por músicos educados, con un excelente conocimiento técnico, toman relieve de Canción de Arte, pero al ser ejecutados por músicos que tocan de oído, que han aprendido por su cuenta y fabrican sus propios instrumentos, se limitan en la concepción del género, donde básicamente se denotan las diversas huellas folklóricas, adquiridas por las influencias pueblerinas. Aunque existan diferencias, entre la Canción de Arte y la Música Autóctona, hay un gran valor que sobresale en ambas: el sentimiento que es significativo de la inspiración sincera de quienes las han escrito.

 

Jesús Quiñones Ledesma

      

 

Lo característico de

 

 

Una Canción de Arte es una obra diseñada para ejecutarse en una sala de concierto con un serio propósito artístico. En muchos casos el compositor proyecta un elemento armónico más elaborado, con letras de cierta elevación poética la cual distingue su alto sentido clásico. Tiene un sentimiento totalmente opuesto a las tradicionales canciones folklóricas. Básicamente se escriben para voces líricas educadas. Son muchos los países que tienen una elevada tradición, sumamente desarrollada, por la canción clásica: Estados Unidos, Japón, Corea, Australia, Rusia y toda la América Latina, entre otros. Sus poetas inspiran a sus maestros de composición a escribir canciones para voz y piano. Así nace una Canción de Arte.

 

La Canción de Arte es usualmente cantada por una sola voz, (un solo, como se le llama algunas veces), con algún tipo de acompañamiento. Puede ser con un pianista acompañante o un guitarrista, donde el piano o la guitarra crean una atmósfera de gran pureza musical que le ofrece al cantante un alto nivel armónico como marco de la pieza. Sin embargo son los poetas los que influyen mayormente en la creación musical de los compositores, haciendo que estos sean movidos por la trascendencia poética que esencialmente ayuda a redondear su trabajo musical, siendo un gran logro para todos ellos. Pero esta  definición concisa, de lo que es la Canción de Arte, no toca solamente a lo que es el alma verdadera de la obra, sino más bien exalta los elementos que están compuestos y amalgamados, en forma de cuarteto: el poeta, el compositor, el cantante y un pianista. Todos trabajan unidos, complementándose cada cual, unos con otros, resultando en algo mucho más grande que los elementos individuales.

En Alemania se le llama “Lieder”y en Francia “Chanson o Mèlodie” al tipo de canción que en España, la América Hispana, e Italia se le dice Canción de Arte, (Canzone D’Arte), Art Song en Inglaterra, Estados Unidos y países de lenguas sajonas. Una Canción de Arte es una composición completa de por sí, y no es parte de una obra mayor más extensa, como en una Opera, una Zarzuela, una Opereta o un Oratorio. La Canción de Arte exige en ciertos casos, un estado de ánimo apacible, como lo denota Alberto Ginastera en su famosa Vidalita, Canción al Árbol del Olvido, o vivaz y enérgico, como lo plantea Joaquín Turina en Las Locas por Amor.

 

El Maestro español Alfredo Romero, quien vivió y murió en Puerto Rico, quizás el mejor repertorista (maestro repasador) que hemos tenido, (enseñó en el Conservatorio de Música), fue discípulo de Turina, excelente persona, eminente músico y erudito, quien dejara en mí una gran huella de sus conocimientos y experiencia. Precisamente por ser un hombre muy culto, un gran lector de la mejor literatura y poesía, sobresalía en la concepción de las Canciones de Arte. Con gran respeto y admiración le consultaba cuantas veces era necesario para preparar mi repertorio clásico. En su vida magisterial, con una gran vocación para influenciar a sus estudiantes, Alfredo Romero ha sido un personaje Quijotesco en el ambiente musical de Puerto Rico, en donde dejara fuertes raíces de su formidable trabajo de tantos años.

 

Puerto Rico tuvo sus grandes intérpretes de la Canción de Arte. Una de esas estrellas, que iluminara el camino a muchos y dejara una huella fascinante de su gran habilidad canora, fue la Soprano Luisa Rodríguez, (Luisita, como le decíamos cariñosamente), que indiscutiblemente ha sido una de las más notables intérpretes de la Canción de Arte en y fuera de la isla. Luisa trabajó en el Canal 6, los servicios de radio y televisión del Estado Libre Asociado de Puerto Rico, durante muchos años y era la encargada de escoger la música que deleitó a muchos oyentes. Fue Luisa la que me introdujo a la Canción de Arte, al llegar de regreso de Italia, cuando la Ópera era lo más importante de mi vida canora. Ella conocía todo el repertorio y sabía analizar lo que mejor le quedaba a cada voz dependiendo de su registro. La Canción de Arte era el fuerte de Luisa y es así que muchos la recordamos.

 

Han habido magníficos compositores puertorriqueños de Canciones de Arte: Amaury Veray, Héctor Campos Parsi, Jack Delano, Luis Manuel Alvarez, Luis Antonio Ramírez, Narciso Figueroa y muchos otros más que han dejado sus obras a la posteridad. Hemos tenido varias fuentes de inspiración que reflejan, según quien sea el autor, la canciones basadas en el concepto poético folklórico o aquellas que nacen de un tema completamente clásico y original. Hay casos en que varios autores han utilizado los mismos versos, (idéntica letra) y los han vestido con distintas ideas musicales y armonías exquisitas que los distinguen uno del otro. Hay también casos en que parece haber una cierta dicotomía entre las demandas operísticas del Bel Canto, (bello canto), especialmente con aquellas de Bellini, Donizetti y Rossini, y la influencia de los íntimos requisitos poéticos, centralizados en los tipos de letra, que es la base de cómo se debe cantar el Lieder. Por ejemplo, la Soprano Danesa, Povia Frijsh, (1881-1960), no fue bendecida por tener la mejor de las voces, pero realizó una gran carrera como exponente del género (recitalista) por la forma exquisita con la que ella podía manejar las demandas interpretativas de la canción. No quiere decir esto que los intérpretes no necesiten buenas voces, pero una linda voz no es el verdadero foco de la atención.

 

Hay un determinado término sobre la Canción de Arte que se usa específicamente para destacar el deseo poético de que todas las obras sean de un mismo autor. Este se conoce como Ciclo de Canciones, casi siempre escritas en un grupo de tres a seis temas, por el mismo poeta, que el compositor concibe para que se interpreten todas juntas. En otros casos el compositor escoge los versos o los escribe, si cuenta con los conocimientos literarios, y le da forma a un Ciclo de Canciones que exalta su labor creativa. Manuel De Falla, Joaquín Turina, Enrique Granados, Federico Moreno Torroba son ejemplo de Ciclos de Canciones muy conocidos que son obras maestras del género. Alberto Ginastera, Carlos Guastavino, Heitor Villalobos y Manuel Ponce son prueba fehaciente de la gran producción hispanoamericana. Obras inmortales que forman parte del repertorio de consagrados exponentes de la Canción de Arte.

 

Otro término que hay que considerar en el campo de la Canción de Arte o Lieder es el acompañante. Usualmente este es un pianista o pianista colaborador. Algunas veces hay la percepción de que el pianista hace solo un sonido de fondo que complementa al cantante. En la realidad específica este no es el caso: el compositor espera una especie de dúo entre el piano y la voz. El pianista debe proveer la significante armonía que converge con la parte melódica de la canción, pero debe haber una interacción, (especie de juego), entre el cantante y el pianista en diferentes niveles. El pianista entra en el juego, (con una sección introductoria) y debe complementar lo que el cantante hace con su voz. Con el uso cuidadoso de las dinámicas, (fuertes y suaves), el pianista puede enfocar la atención en momentos dramáticos o en aquellos íntimos. El pianista colaborador debe saber las palabras de la parte poética, como también las notas que canta el intérprete. Es de asumirse que el pianista se las haya aprendido de antemano. Esta labor de conjunto es rasgo de gran maestría y dominio artístico. Esta es la forma altamente clásica de lograr el propósito: disfrutar plenamente de la Canción de Arte como debe ser.

 

Este proyecto, Contrastes y Colores, de Hispanoamérica y España, lo Característico de la Canción de Arte, presenta a ustedes una combinación de estas obras, con estilos diferentes, letras hermosas y un elenco de voces que le dan vida al pensamiento y a la armonía de genios que dejaron un regalo maravilloso para que lo apreciemos y lo celebremos unos con otros. La Canción de Arte se caracteriza por sus letras sublimes, armonías descriptivas del sentimiento humano que, sacadas del pentagrama, logran que voces delicadas y bellas y manos prodigiosas, de un acompañante, le den curso a este proyecto hermoso que sirve para llenar el espíritu del pueblo puertorriqueño.

 

 

Jesús Quiñones Ledesma

 

Lo Significativo de

 

 

          Una Canción de índole autóctona es una pieza de raíces nativas, que es parte de la idiosincrasia musical de un pueblo. Es el tipo de música que nace de las entrañas de la tierra, que es parte de sus costumbres, que pasa de boca en boca y se baila, se canta, se tararea y es patrimonio musical que es significativo para una comunidad. Forma parte del quehacer socio-cultural de los distintos países del mundo, en este caso la América Latina y España. Tiene aires que se adoptan y se retienen en la memoria colectiva y comunitaria de los pueblos. Se convierten en aires pueblerinos. Se podría decir que son melodías folklóricas, pero aún así no caracterizan totalmente la significación de lo que son, es algo más que eso, es música autóctona que nace con un sentimiento muy particular del corazón humano.

 

Este sentimiento musical viene de la tierra misma, surge del vivir diario, de las relaciones de la gente con sus cosas, sus amores, sus logros, sus reflexiones de la vida misma, sus celebraciones, (cumpleaños, bodas, bautizos, épocas); el folklore es llamativo y descriptivo de la naturaleza y la belleza que nos rodea, pero lo autóctono lo cubre todo, especialmente por que además de eso, se baila y se canta y enfoca el sentir de las masas. En Colombia el Bambuco, en Venezuela, el Joropo, en México el Corrido y la Ranchera, el Tango o la Milonga en la Argentina, el Paso Doble en España, en Cuba el Danzón, el Son y la Guajira y en nuestro Puerto Rico la Plena, la Danza y el Seis choreao. Estos géneros son la verdadera música autóctona que se ha popularizado en nuestros países, no importa la época ni el tiempo pasado: es la particularidad de un tipo de música que llama al corazón y llena el alma de los pueblos. En este proyecto se incluyen algunos pero no todos los que conocemos por la brevedad a la que estamos limitados. Estos son los Contrastes y Colores de Hispanoamérica y España: lo significativo de la Música Autóctona.

 

          Este proyecto está dedicado a algunas canciones, de varios países, que reflejaron un gran interés y sentimiento por la producción de la música autóctona. De esta forma el género se ha popularizado a nivel internacional. Es música muy conocida que ha captado también la atención de músicos, cantantes líricos, bailarines clásicos, y artistas que la han utilizado, logrando que esta música suba de categoría y hoy en día se pueda pasear, como parte del repertorio de muchas orquestas, inclusive las Filarmónicas y Sinfónicas.

 

          En forma breve le describimos los géneros de música autóctona que hemos seleccionado, quizás aquellos mas conocidos para vuestro deleite, esperando que este proyecto sea del agrado de todos los que aman la buena música, y deseen recordar momentos inolvidables de los años pasados. Para los jóvenes de hoy es un aliciente que enriquece su entendimiento musical. Es un género musicalmente histórico que los ayuda a cultivarse culturalmente.

 

Jesús Quiñones Ledesma

 

 

 

El ritmo más genuino y representativo de la música española es el pasodoble. Puede ser considerado, en esencia, el estandarte sonoro que la distingue en todas partes del mundo. Se trata de un ritmo alegre, pleno de brío, castizo, flamenco unas veces, pero siempre reflejo del garbo y más genuino sabor español. Vale la pena, aunque solo sea por curiosidad, profundizar algo en la historia del pasodoble español, no solo para subrayar lo mucho y lo bueno que se ha escrito en torno a esta pieza musical, sino para que no se olvide el lugar que éste tiene reservado en la música Española.

 

Parece ser, por lo que hemos investigado, que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una composición que, en la primera mitad del siglo XVIII, servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos, y que luego, desde mediados del mismo siglo, era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias. Cuando la tonadilla llega a su madurez y apogeo, sería el momento en el que nacería la tonadilla unipersonal, precursora de las variedades que irían apareciendo en los siglos posteriores, entre las cuales encontraríamos diferentes pasodobles que hoy conocemos.

 

Posiblemente entre las tonadillas de carácter más alegre se llegó a elegir alguna que, una vez transformada y acoplada al temperamento Ibérico, sería el antecedente inmediato del pasodoble español. Vendría entonces la incorporación de elementos populares, con la adición de elementos armónicos de la seguidilla, jota, bolero, flamenco…y sobre todo la incorporación de la cadencia andaluza. La fase final orienta el pasodoble hacia la danza, el teatro, el cuplé y la canción. El pasodoble tuvo una extraordinaria fortuna en el teatro lírico por el porcentaje de zarzuelas que lo incluyen para situar la obra en el mundo taurino.

 

El pasodoble está ligado al mundo de los toros y que mejor ejemplo que la Canción del Toreador de la Ópera Carmen de George Bizet, cuyo último acto se desarrolla nada menos que el la Plaza de Toros de la Maestranza en Sevilla. Se ha escrito además, cómo Igor Stravinsky escuchaba fascinado los ecos lejanos de alegres pasodobles desde las ventanas de su hotel madrileño. El pasodoble es el género que toda España canta y baila y es tan popular que los pueblos de América y del  mundo lo disfrutan plenamente..

 

 

 

El Joropo simboliza la cultura popular tradicional venezolana en el mundo entero. El Joropo es la música y el baile que identifica a esta tierra de gente maravillosa, trabajadora, de gran tesón y talento. Complejo en su ejecución, el Joropo es uno de los ritmos que más desconcierta a aquellos que han estudiado la música universal a escala académica y se considera uno de los bailes, a manos tomadas, más vistosos y ricos en movimientos básicos. El Joropo es un estilo que se semeja un tanto al Vals con un acompañamiento de danza con influencias africanas y europeas. Es un género fundamental que pertenece a Venezuela y en un grado menor  al folklore colombiano y específicamente a su música criolla. Su vistoso ritmo folklórico y la bien conocida pieza Alma Llanera, que es considerada como un himno nacional de Venezuela, es vivo ejemplo del Joropo.

 

Algunas versiones acerca del origen de la palabra Joropo relatan que proviene de “xarop”, palabra árabe que significa jarabe. Se piensa además que el Joropo nos llega del viejo continente, pues posee formas y maneras afines al flamenco y a otros bailes andaluces. Esta semejanza se debe a la fusión cultural que se dio en Venezuela en la época de la colonización. Otros afirman que el Joropo es una voz caribe o quechua y otros dicen que es de Casanare, de donde son los indios, que le dieron su nombre, ya que la palabra Joropo es originaria de allí. Cuando por cualquier motivo se prendía la fiesta, los más entusiastas salían gritando: Joropo, Joropo, más Joropo.

 

El Joropo es música que desborda vida. Una vida entre llanos y montañas que ha sido la cuna de un género conocido por todos, pero entendido por pocos. Los instrumentos característicos del Joropo son el cuatro, la bandola llanera, las maracas y el arpa llanera o central. El Joropo posee una estructura musical fija y lleva letras en versos octosílabos donde se destaca el espíritu, desafiante y guerrero, así como lo heroico, lo patriótico, la tradición, el amor a la tierra, el arraigo, la defensa de la identidad, la épica bolivariana y la hermandad. Para que se dé el Joropo se necesitan los instrumentos y el alma venezolana: generosa y amable, invitadora de alegría y bondad.  Es la forma más genuina de expresión folklórica de Venezuela. Este proyecto la destaca como música autóctona por su intima relación con la tierra y su gente. Los venezolanos se sienten orgullosos de su Joropo, lo llevan en sus corazones.

 

 

          El Corrido es una de las expresiones de mayor alcance del espíritu artístico del pueblo de México. El género alcanza su plenitud hacia 1870, y con la Revolución logra su verdadera independencia y sentido épico. Los Corridos pueden tener carácter épico, lírico o narrativo y son parte integral de la vida del pueblo y de sus expresiones. Registran todos los elementos de interés colectivo: episodios históricos, héroes y caudillos; toreros, hechos sobrenaturales y terroríficos, accidentes, desastres y tragedias pasionales.

 

          Son característicos también los Corridos populares mexicanos dedicados a Emiliano Zapata que es hoy por hoy, el mártir del agrarismo, el símbolo de la redención social en México. Son Corridos inspirados en su figura que expresan las reivindicaciones de tierra y libertad por las que él luchó y murió. El Corrido narra la historia verdadera o la que se da por cierta de una persona que ha existido. Es una especie de correo  vivo, semejante a los juglares de la Edad Media, que alaban la valentía y honor de los personajes más queridos.

 

          Son muchos los grupos dedicados al género de  los Corridos. Actualmente músicos y cantantes tienen innumerables oportunidades de exposición, venden muchas grabaciones y con la nueva modalidad del DVD hacen producciones discográficas y videos que los popularizan internacionalmente. Aún así todavía nos acordamos de los viejos charros y cantantes con grandes condiciones vocales como lo fueron Jorge Negrete y Pedro Infante. Hoy canta exitosamente, Vicente Fernández y tiene muchos seguidores.  De muchachito recuerdo que todos querían imitar a Negrete e inclusive yo, me fajaba con ¡Ay Jalisco no te rajes! Así de importante es la música mexicana que por ser autóctona nunca pasa de moda. Este proyecto se identifica con aquellos géneros que han recorrido muchos países y el Corrido ha sido uno de ellos. De hecho actualmente el Corrido está de moda por los variados grupos que lo exponen con éxito internacionalmente:

 

¿Quién no ha escuchado una Ranchera en su vida? Muy raro que alguien diga que no. Los que vieron las películas de Pedro Infante y Jorge Negrete, hace algunos años, muy bien tienen que recordar lo mucho que gustaban las Rancheras. Hoy todavía se disfruta plenamente de esas populares canciones mexicanas que se escuchan con mucha simpatía. Hoy son interpretadas por nuevas voces, con nuevos estilos y ricos arreglos musicales. La Ranchera con el Corrido son géneros populares y absolutos de la música mexicana de ayer y de hoy.

 

Sus orígenes datan del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de 1910 y se convirtió en el icono de la expresión popular de México, un símbolo del país, que fue difundido con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano de las décadas de 1940, 1950 y 1960, causando profundo arraigo entre los sectores populares y medios.

 

Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional, una de cuyas características consiste en sostener largamente una nota al final de una estrofa o línea, culminando en una "terminación fundida". Recuerdo a Negrete con su bella voz de barítono cantando Jalisco y recogiendo grandes aplausos al cantar la famosa frase: “me sale del alma,” sosteniendo la primera vocal A de alma, en una sola respiración, dejando “boquiabiertos” a los que lo oían y admiraban.

 

En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se "internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha debilitado por cuenta de la presión de algunos productores musicales.

 

Las Rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música latinoamericana, evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista internacional.

 

Representantes famosos del género han sido por ejemplo Jorge Negrete, Pedro Infante, Tito Guízar, Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez, Javier Solís, Antonio Aguilar (años 30-60) y en las décadas de 1970-90 Vicente Fernández, su hijo Alejandro Fernández, Juan Gabriel, Pedro Fernández y Pepe Aguilar. Entre las damas, se destacan Lucha Reyes, Lola Beltrán, Flor Silvestre, Lucha Villa, Amalia Mendoza "La Tariácur", María de Lourdes y la otrora cantante española Rocío Dúrcal.  Los grandes exponentes de la Ranchera han dejado su legado a la posteridad en la música grabada y películas que han recorrido el mundo

 

 

 

          El Bambuco Colombiano es un género musical catalogado como el más importante en su país, definiendo su aceptación el hecho de ser  reconocido entre los emblemas nacionales. Es un ritmo que trasciende el ámbito nacional, sin discriminar regiones ni clases; por eso es, sin duda alguna, la máxima expresión del folklore colombiano. Se dice que su origen es posiblemente africano, y para algunos mas es español. Muy por encima de esas teorías, se puede decir que el Bambuco cuenta con un estilo propio y es completamente colombiano. Se sabe que el género se expande por varios pueblos de Centro y Sur América. Logra en menos de 50 años, convertirse en la música y danza nacional, pasando del anonimato de la música rural, a ser considerado símbolo nacional.

 

          El crecimiento del Bambuco va mucho más allá, llega a Centro América, las Antillas y México, principalmente debido a las giras que iban por esas tierras. Los mexicanos escriben bambucos con la forma exacta del colombiano, gracias al interés que tienen y hay un surgimiento que lo favorece. Se convierte en un medio que fortalece el ser social de una nación, y llega a estratos inesperados y sufre transformaciones que lo hacen despojarse de sus orígenes ancestrales. Deja de lado algunos elementos africanos, indígenas inclusive hasta los instrumentos. El bambuco adopta algunas características de la música de salón, logrando así, de forma progresiva, conquistar las salas de conciertos.

 

          La temática del bambuco está basada en el amor. Con muy pocos ritmos, el bambuco no es solo una tradición musical. El baile que lo caracteriza  no difiere de su esencia. Es una unidad interpretativa que le gana el nombre de danza típica colombiana. El bambuco, es un ritmo terciario de 3/4 y 6/8 que los compositores de cada nueva generación, le han ido introduciendo variedad de instrumentos. En la actualidad se interpreta en todo tipo de conformación instrumental y vocal, desde un solista hasta una orquesta sinfónica o un gran coro polifónico. Se puede decir que el bambuco, es algo más que un ritmo, algo más que un conjunto de piezas, es un estilo, una forma de hacer música nacionalista de salón, con intenciones de virtuosismo.

 

          Rememorando una frase, del otrora gran poeta y escritor colombiano Rafael Pombo, exponemos su pensamiento verás: “Para conjurar el tedio, de este vivir tan maluco, Dios me depare un bambuco y al punto, santo remedio.”

 

 

 

          La influencia europea, en el desarrollo tardío de la música cubana, es influyentemente representada por el Danzón, que es un tipo de danza elegante que se establece en Cuba, antes de ser exportada, a petición popular, a través de toda Latinoamérica, especialmente México. Sus raíces yacen en las danzas sociales europeas, como el baile pueblerino de Inglaterra, (country dance), la contradanza francesa y la española. El Danzón se desarrolla en el 1870 en la región de Matanzas, donde la cultura africana mantenía una fuerte influencia. Se desarrolló completamente, a plenitud, para el 1879. Ejecutada por una orquesta típica, una banda informal de marcha militar, el Danzón evoluciona de la habanera, incorporando elementos africanos que eran interpretados por artistas de cierto renombre de la época. Muchos de ellos agregaron elementos de la contradanza francesa, abriendo el camino para futuros artistas de excelentes méritos.

 

          Cuba es parte del sistema cultural centroamericano al igual que lo es completamente para toda la América Latina. Cuba tiene muchas historias multiculturales que incluyen los mismos componentes raciales y étnicos, de África, Italia, nativos de América y España, y todos ellos son parte del sistema cultural que existe al margen del Golfo de México y el Caribe. Aún así el Golfo sirve para unir o separar las respectivas culturas de la misma forma que el Mar Mediterráneo lo hace con sus países vecinos. Cuba gozaba del gran esplendor turístico y su música captaba la atención de todos lo que venían. La Habana tenía una reputación de tener sitios exóticos donde se podían pasar muy buenos ratos. Una consideración fascinante, a lo que fue el Danzón cubano entonces, es que fuera el primer estilo musical afro-americano que fuera grabado.

 

          Este proyecto trata de reunir algunos de los trabajos musicales de arraigo autóctono para ofrecerlo a la comunidad puertorriqueña. Al no poder incluirlos todos se está haciendo una selección que permita ofrecerles una idea básica del propósito perseguido. El Danzón de hecho es sensual y movido y, amalgamado a otros ritmos, nos transporta a la Habana de los años cincuenta, levantándonos de la silla con deseos de bailar. El Danzón deleita por igual a oyentes y bailarines, con contagiosas ondas, líricas melodías y deslumbrantes improvisaciones. Aaron Copeland y Leonard Bernstein han prestigiado el género con sus arreglos, grabaciones y presentaciones internacionales. Su identificación con el Danzón nos recuerda las conexiones de la música a través de océanos, culturas y siglos. “Experiencias grabadas como éstas hacen al planeta más amplio y misterioso”, (ref.: Sarah Ludwig).

 

Lo que mejor define la cultura de un pueblo es la música, que es uno de los lenguajes espirituales que Dios nos ha dado. Como lenguaje espiritual, la música absorbe el sentimiento de nuestra gente en sus bailes y canciones, y en los géneros musicales diversos que representan las diferentes sociedades que constituyen nuestra cultura. Así nace la Plena. La misma que “Canario”, el prodigio de la Plena, nos dejara para la eternidad.

 

La sabiduría del pueblo y el arraigo popular que representa, reconoce la importancia de lo que es el lenguaje espiritual cuando dice que: "La música es el alma de los pueblos", y que "un pueblo sin música es un pueblo sin alma".  Viejas frases que conocemos desde hace muchos años. Y es esta la  razón por lo que la música pertenece a una dimensión del hombre en donde se proyecta lo sublime, lo exquisito o lo trágico de nuestra forma de vida. La música pertenece al mundo del espíritu, o al mundo del alma, si es que esa es la verdadera dimensión que se utiliza para definir las cosas del espíritu. El maestro José Enrique Pedreira, gran músico que dejó una gran obra musical, se estimuló para trabajar en arreglos especiales de las plenas de Manuel Jiménez, (Canario) que son hoy día un clásico del género.

 

Pero además de pertenecer a ese extraordinario y fascinante mundo de las emociones, la música resulta ser un lenguaje cultural, ya que cada pueblo posee un particular modo de expresar los sentimientos y emociones, con ritmos, melodías, armonías, instrumentos, y géneros musicales como lenguaje musical representativo de su cultura. La suma de estas dos definiciones, de la sabiduría popular, se manifiesta elocuentemente cuando se refiere a Doña Ruth Fernández (la gran diva del canto popular) como se le dice en nuestra sociedad cultural: "el alma de Puerto Rico hecha canción. "

 

Han pasado cien años desde que la Plena nace en los barrios de la clase trabajadora de Ponce. Sus orígenes son el resultado del cambio de soberanía, del régimen español al norteamericano. La abolición de la esclavitud provoca que los trabajadores desplazados de las plantaciones buscaran otras oportunidades económicas en los centros urbanos de la isla. El auge hacía que estos centros fueran creciendo. A la Plena se le conocía como el "periódico cantado" porque sus letras contaban la historia y los cuentos de la vida cotidiana del pueblo. Además de tener sus raíces musicales y sociales en el legado africano occidental, la Plena fue también influenciada por la música jíbara (española-árabe), los indios taínos, los salones de bailes al estilo europeo, y la música de los esclavos liberados. Estos eran desplazados que venían a Puerto Rico desde las islas caribeñas, de habla inglesa, en busca de futuro. Encontraban trabajo y se quedaban.

 

Cuando pensamos en la Plena, dos cosas nos llegan a la mente, los sombreros blancos estilo "Panamá", que usaban los hombres y los tres (o más) tambores de mano que se conocían como "panderetas" o "pleneras". Cada uno de ellos sigue un compás diferente que juntos le dan vida al ritmo de la Plena.

 

 

 

Brasil es el quinto país de más extenso territorio en el mundo y es cuna de uno de los géneros más autóctonos que se conocen: La Samba  Muchos de los conceptos musicales de las áreas costeras, mayormente pobladas, reflejan una extraordinaria  combinación de influencias africanas, indígenas e ibéricas. Así se concibió la Samba brasileña. ¡Quién no recuerda las coloridas presentaciones de Carmen Miranda, cantante y bailarina muy conocida, que apareciera en varias películas de Hollywood promoviendo el género de la Samba! Sus canastas llenas de frutas, que llevaba en su cabeza mientras bailaba, eran algo pintoresco que hizo que la artista brasileña fuera reconocida mundialmente. La Samba se benefició del despliegue cinematográfico que la hizo tan popular.

 

La Samba moderna se desarrolló gracias a un estilo musical previo que se conoce como Choro. La Samba, ya sea como danza o como música, de igual manera ambas, puede tomar muchas diferentes formas de las vivas influencias de la Samba de enredo, la música de Carnaval, y de la Samba canción, una ejecución de guitarra más apacible de ritmo variado: el. Bossa Nova, que surge como parte de la Nueva Ola, que llegó a América en los años sesenta, con La Niña de Ipanema, (The girl from Ipanema). Esta canción escrita por el legendario compositor Antonio Carlos Jobim se convierte más tarde en un clásico de Jazz.

 

          En el siglo 16, los portugueses descubrieron en la costa este de Sur América, un sitio precioso al que llamaron Río de Janeiro. Muy pronto los colonizadores se fueron instalando, según la colonia iba prosperando; los esclavos fueron traídos del sureste de África a trabajar en las plantaciones de Bahía, en el noroeste de lo que sería Brasil. Entre los adheridos de la religión Afro-brasileña, Candomble, el significado de Samba es el de rezar, para invocar a su Dios o Santo, Orixa. Los ritmos africanos que enriquecen la música latina vinieron de Yoruba, Congo y otros del oeste de África, que llegaron con los esclavos transportados al nuevo mundo. En sus tierras los ritmos se utilizaban para llamar a sus Dioses. Candomble ayudó a preservar estos ritmos hasta el presente. Son precisamente estos ritmos los que han influenciado mayormente en la música brasileña para que la Samba sea un género único de la música.

 

          Las raíces del Samba, (correctamente) se remontan a África, principalmente Angola, donde la danza semba fue su predecesora. El Samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital de Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes negros del estado brasilero de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba") se originó durante los años formativos del Samba.

 

En los años siguientes, la música Samba tomó muchísimas direcciones. Desde la elegante samba-canção hasta las orquestas de batería que acompañaban la parada del carnaval. Uno de estos nuevos estilos fue el Bossa nova, hecho en un principio por las gentes blancas de clase media. El Bossa Nova ganó popularidad mundial a través de los trabajos de Jõao Gilberto y Antonio Carlos Jobim, entre otros, y llegó a Norteamérica con los álbumes de Gilberto junto al saxofonista de jazz americano Stan Getz, y el soundtrack de Jobim de la película Black Orpheus en 1959.

 

Desde los tiempos de Carmen Miranda hasta la llegada de Jobim la Samba ha sido un género muy aplaudido en Puerto Rico y que aún goza de gran simpatía y aceptación de parte de todo el pueblo, inclusive jóvenes y adultos.

 

 

 

La evolución musical del Tango sufre, a partir del 1924, un cambio profundo. Se produce aquella bifurcación que definió dos corrientes: la tradicional, aferrada a un esquema de simplismo musical y la otra a una tendencia  evolucionista que abandonó viejas estructuras permitiendo la incorporación al Tango de los recursos de la técnica musical: formas y proposiciones estéticas, de las que jamás el Tango podría apartarse sin perder su esencia. La exigencia de mayores conocimientos y musicalidad desterraba para siempre  la intuición y la improvisación. Debido a este proceso  se vistió al Tango de etiqueta. Cumplido su ciclo de gloria deja para las generaciones por venir ese gran ejemplo de equilibrio renovador, entre la belleza interpretativa y la autenticidad y carácter, que los autores le han conferido a la obra.

 

El Tango primero se bailó entre hombres hasta que la mujer se atrevió a integrarse con el bailarín. Paradójicamente, es una pareja de varones la primera que baila el tango en alguna esquina de la ciudad. Sin embargo, no puede atribuirse a este acto el más mínimo contenido homosexual. Es una demostración de habilidad, de lucimiento. Al entrar la mujer para la danza no es ella el ingrediente fundamental. El objetivo es la ostentación, el saber bailar sin preconceptos, sin intenciones ocultas. El homosexualismo no hubiera podido sobrevivir en ese ambiente de crudo machismo. El lugar habitual del tango,  ligado desde su origen a la danza y a su desarrollo musical, fue el burdel.  En el prostíbulo las pupilas por costumbre tenían que bailar con la clientela. Mas tarde el Tango se depura y llega a los teatros e inclusive a las casas de familia.

 

Se ha señalado el año 1880 como la frontera virtual entre la Argentina arcaica y la Argentina moderna. Todo cambia a partir de entonces. Paralelamente, en la ribera del Riachuelo, en los boliches, en los prostíbulos, en las academias de baile, en las carpas y romerías de los fines de semana, comienza a gestarse el tango poderosamente motivado por un núcleo inmigratorio integrado por trabajadores de los mataderos, artesanos, marineros y peones de las barracas. 

 

Los primeros tangos aparecieron para el 1880. En realidad aquellas melodías no eran todavía el tango tal como lo conocemos en nuestros días. Siguieron los cambios hasta que después del 1917 comenzó a entonarlo la garganta privilegiada de Carlos Gardel. Los sucesivos cambios han sido muchísimos hasta llegar a  Astor Piazzolla, quien ha sido uno de sus máximos exponentes.

 

 

 

En 1880 convivían dos tipos de Tangos. Uno provenía del tango andaluz, (que le da nombre),  y el otro de la Milonga. Había otro con influencia “habaneril”  y por último aquel, que es como una especie de Tango de origen africano, que nada tiene que ver con el Tango verdadero. La Milonga no era más que un canto. Y de la garganta de los payadores hasta los pies del bailarín va recogiendo las figuras que se venían bailando con otras danzas en los suburbios de Buenos Aires. La Milonga adquiere coreografía y empieza a llamarse Tango. Es esta la etapa de los verdaderos precursores, los que abren la puerta grande a los creadores de la Vieja Guardia que en las primeras dos décadas del siglo XX impondrían una modalidad y la divulgarían al mundo entero. Los primeros forjadores serían en su mayoría de extracción obrera y fueron los inventores de esa música fascinante de ritmo pegadizo y bravío. Algunos aferrados a la vieja estirpe mientras otros, advirtiendo la fuerza de los nuevos vientos, se instalaron a las maneras del centro de la ciudad.

 

Se habla de las muchas influencias que tuvo el Tango pero de esa suerte de bruma primigenia, en que permanecen envueltos los orígenes musicales del Tango, prevalece entre otras teorías, la de que la Milonga, con sus sucesivos cambios de ritmo (6 X 8 al 3 X 4 y luego 6 X 8 al 2 X 4), es la que le dio base. El Tango no nació con valores y atributos absolutamente propios. Lleva en su interior aguas de muy diversas vertientes. No obstante, un amplio sector popular se sintió profundamente identificado con esa nueva modalidad, considerándola como una expresión neta de su manera de sentir la vida. Así es que la Milonga pasa por un tiempo a un segundo lugar ante el Tango, aunque mas tarde coge de nuevo auge en la voz de Carlos Gardel.

 

La Milonga fue el arma poderosa de los Payadores siendo a la postre el mejor de todos ellos, el que deja una huella eterna de su voz: Carlos Gardel, que cantaba las Milongas como nadie. Pero Carlitos, asume su puesto de honor en la historia como el cantor de grandes dotes interpretativas. La imagen del cantor ya había desplazado al payador que improvisaba. Este fue cediendo su espacio al cantor de estrofas previamente escritas, que se apoyaba en melodías en lugar de simples acompañamientos. Contursi logra escribir Mi noche triste, uno de los grandes éxitos de Gardel, ejemplo de la nueva modalidad. Así como nadie puede explicar el origen de los seres mitológicos, Carlos Gardel compone el modelo con el que se identificaron y aún se identifican muchos porteños. Aunque criado en un suburbio de la ciudad su temperamento amigable le permitió vincularse fácilmente con su gente. Sin embargo, muchos aspectos de su vida siguen envueltos en un misterio. Si a este se le agrega su muerte sorpresiva en pleno éxito, en un desastre aéreo en donde el fuego desempeñó un rol fundamental, todos los ingredientes del mito se hicieron presentes. El Rey de la Milonga sigue en la memoria colectiva de la América Hispana y Europa.

 

 

La Danza es la máxima expresión de la cultura puertorriqueña. Nace en Ponce cerca del año 1840. La contradanza española había sido muy popular en esa época y se bailaba siguiendo las instrucciones de un bastonero que decidía quienes tenían que bailar. Hubo muchos inconvenientes que hicieron que el bastonero perdiera popularidad y fue suprimido en 1839 dando así comienzo a algunos cambios. Llegaron nuevas influencias y esta nueva modalidad musical, llamada “habanera”, se bailaba en parejas de modo libre. Es así como los compositores puertorriqueños empezaron a escribir su propia música añadiéndole sus propias variantes y sabor criollo. La nueva Danza fue tomando forma.  Este nuevo concepto original era un tanto vulgar y fue rechazado por la alta sociedad. El Gobierno de esa época quiso tomar acción drástica pero no tuvo éxito en sus propósitos.

 

De regreso de París el pianista y compositor Manuel G. Tavárez estiliza y depura la danza vistiéndola de galas románticas, impartiéndole un ademán grácil reflejado por las obras de salón francesa. La Danza ponceña es apasionada, audaz y muy sentimental. El pueblo bailaba y disfrutaba la Danza plenamente, por su introducción o paseo inicial, por su ritmo principalmente binario,  pero también rico en tresillos intercalados, y sus famosos tresillos elásticos, característicos de una licencia interpretativa que crea un estilo que los boricuas aún hoy día llevan en su sangre Las chicas, de la época de principio del siglo veinte, lucían sus galas en los bailes que había y con sus abanicos y coqueterías femeninas, se sentaban a esperar a los jóvenes que las venían a invitar. Era verdaderamente un acontecimiento social. El maestro Tavárez es iniciador de un movimiento que posteriormente se hace fecundo gracias al esfuerzo de su discípulo Juan Morel Campos que la exalta a la posteridad. Finalmente Juan Ignacio Quintón le da el toque que pone a la danza en un sitial de altura. El compositor, brindándole un especial estímulo, hace que la danza despierte un interés básico en la gente de la época. Tradicionalmente la Danza se clasifica en dos tipos: románticas y festivas, lo que la hace bastante diferente.

 

La Danza ha trascendido su época de música popular y ahora pertenece más a la sala de conciertos que al salón de baile. La Danza ha evolucionado  a unos niveles más altos y ahora es la máxima expresión de la música puertorriqueña. En la Danza predomina la belleza musical y la parte poética de sus letras maravillosas y se convierte en la música autóctona de Puerto Rico. Así es la Danza, es acogida por su belleza y fineza, por su estilo y personalidad musical, que doblega el corazón de los que la disfrutan a plenitud.

 

 

Jesús Quiñones Ledesma

Lo Característico de

 

 

Primera Parte

 

Con Acompañamiento de Piano Luis F. Rodríguez, pianista

 

Lo Significativo de

 

 

Segunda Parte

 

                  Número especial de comienzo de esta Segunda Parte:

 

LA ROCA DE LA LAGUNA

PLENA PUERTORRIQUEÑA

 

Las tres voces le dan vida a la Plena La Roca de la Laguna de Manuel Jiménez, (Canario). Un arreglo a tres voces recreando, en forma clásica, el mensaje de la Plena Puertorriqueña.

 

 

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Número especial como cierre de la Segunda Parte y fin del concierto:

 

 

Al piano, Luis F. Rodríguez

 

MI CAMPESINA

PLENA PUERTORRIQUEÑA

 

Las tres voces le dan vida a la Plena Mi Campesina de Manual Jiménez, (Canario). Un arreglo a tres voces recreando, en forma clásica, el mensaje de la Plena Puertorriqueña.

 

Al final se unen los demás cantantes para concluir el programa donde ponen en relieve los

 

CONTRASTES Y COLORES

De Hispanoamérica y España

 

Una Producción de Jesús Quiñones Ledesma para Aptel, Inc.

www.Aptelinc.net

 

APTEL, Inc.

9 de noviembre de 1973

Registro # 7071

Seguro Social Patronal: 521-74-9868

Exención Contributiva #: 91-101-(6)-75

(904) 220-9466